Arte Sonoro

Puede parecer que el arte sonoro es algo nuevo pero fue reconocido como tal desde la década de los setentas; sin embargo tuvo su momento de mayor auge en los noventas, cuando la mayoría de las obras utilizaban sonidos en su realización. Los sonidos podían ser producidos por la naturaleza, por el hombre, musicales, tecnológicos, etc. Este arte sonoro no era independiente sino formaba parte de instalaciones, video, performances, e inclusive se utilizaban medios como la escultura o la pintura.
Los orígenes del arte sonoro los podemos encontrar en las primeras décadas del siglo XX. La relación entre arte y música fue el motor para obras abstractas. Fue también llamado el arte de los ruidos y fue explorado por los dadaístas y los futuristas y uno de sus máximos exponentes fue John Cage, (1912-1992) que definía la “música” como un conjunto de sonidos y ruidos y fue el antecedente para los artistas del arte sonoro que se desarrolló a finales de los setentas.
La galería Cordier & Ekstrom de Nueva York en 1964 expuso varias obras sonoras. El título de la exposición se llamaba Para los ojos y los oídos, incluía obras ruidosas de los dadaístas hasta llegar a obras contemporáneas creadas entre artistas e ingenieros.
Más tarde la Hayward Gallery montó la exposición Estampido Sónico, el arte del sonido en el año 2000 con la colaboración de artistas que utilizaban el sonido en conexión de las artes visuales. El arte sonoro alecciona al espectador sobre la experiencia multisensorial de la percepción. El arte sonoro ha sido poco trabajado en comparación con otras prácticas artísticas pero al mismo tiempo tiene un gran futuro en la tecnología digital y en el Internet.
Ahora observemos la obra de Christian Marclay que me parece que tiene gran relación con la de Iván Abreu porque los dos tejen redes de consecuencias además que a ambos les interesa trabajar con las tornamesas.
Christian Marclay es un artista norteamericano, nacido en 1955. Él explora conexiones entre sonido, fotografía video y film.

Video Christian Marclay

El video de 15 min. de duración de una guitarra eléctrica amplificada que es arrastrada por un camión a lo largo de una carretera sin pavimento que produce un sonido extraordinario que te hace imaginar mil cosas, desde una pelea hasta un cine rodante.
En una entrevista que concedió para Telegraph. co. uk. Él declara que: “Me gusta trabajar con guitarras, tu empiezas con una idea, pero muchas cosas pueden suceder después. A una pregunta de Georgia Dehn sobre porque las guitarras en especial, él explica: “ Yo veo la guitarra como un instrumento antropomórfico. Es un símbolo fálico, pero al mismo tiempo es un cuerpo de mujer y desde hace décadas las estrellas de rock lo usan en sus shows. Cuando Elvis empezaba a actuar, la gente se emocionaba al ver cómo él movía las caderas y la guitarra”.

El artista Christian Marclay trabaja con las tornamesas como soporte para su obra.


Ivan Abreu durante la accion sonora con vinilos de hielo quebrados, titulada m(r.p.m.) masa en función de las revoluciones por minuto.

Algunos problemas con los que se encuentran los artistas de hoy.
Los artistas que trabajan en los medios están consientes que el ambiente donde se desenvuelven camina a una gran velocidad, cada vez los proyectos se vuelven más audaces y las nuevas tecnologías hacen que rápidamente las computadoras se vuelvan obsoletas, los artículos electrónicos con los que ellos trabajan cambian día a día. Estos artistas los que trabajan en el mediart, en el arte electrónico, no están ajenos a esta problemática mundial y esto se ve reflejado en su trabajo. Ellos se hacen estas preguntas: ¿Cómo se puede conservar una obra que de entrada no se conserva? ; ¿De este tipo de trabajo, cual es lo se puede conservar y cuales cosas son las que guardan sólo en la memoria? ; ¿Puede nuestra sensación al ver u oír la obra repetirla solamente en nuestra imaginación? ; ¿Habrá alguna forma de que la obra acuda a mí y vuelva a sentir por ella lo mismo?; ¿ La sorpresa se puede congelar, enlatar, grabar, fotografiar?
¿Se puede conservar una idea como original aunque este al acceso de todo el mundo?
¿Que pueden hacer los artistas para que no les “roben” las ideas?
El papel del artista en el arte contemporáneo ha cambiado en gran manera, ahora se le exige que sea artista-curador-conservador-difusor de su propia obra. El artista crea la obra, la trabaja en la mente, la ensaya, trata de preveer las consecuencias, en ocasiones no cuenta con todos los recursos tecnológicos ni con el presupuesto para dedicarse en tiempo completo a este trabajo.
El artista, en su papel de curador de su propia obra, se enfrenta a varios problemas:
Si su obra está expuesta con las de otros artistas tiene que revisar como va a estar montada, cuáles son las obras con las que va a alternar, que sentido es el que va a tener la exposición, comprobar que se le de la intención para la que fue hecha etc.
Ahora viene la conservación de la obra, qué piezas de ella pueden conservarse y cuales no. La tarea le corresponde nuevamente al artista. Otro problema es ¿Cómo se puede difundir la obra y al mismo tiempo, que la idea sea original, es decir que no la copien, que se mantengan los derechos de autor y a su vez que se pueda vender la obra?
En ocasiones, la obra es ensayada mil veces, el artista le ha dedicado gran parte de su tiempo, siente que ya la tiene medida y convoca a un auditorio preestablecido, que llegan los medios para grabar el evento y la obra no tiene los resultados esperados, las consecuencias no son las planeadas, el azar juega una mala pasada y se debe volver a planear, a medirlo todo, inclusive al público para el que quizá ya no tenga la misma sorpresa.
Estos son algunos de los problemas que enfrenta el artista de hoy, creador de un arte complejo que está en constante cambio.