My Lovely Day: la memoria como elemento de autoexploración en la obra de Penny Siopis.

Para entender la obra de la artísta sudafricana Penny Siopis es necesario conocer, o al menos tener una idea acerca de la historia o del entorno social de Sudáfrica ya que la obra de esta artista es una constante exploración de la historia de su país.

La de Sudáfrica es una historia de constantes cambios y problemas sociales, siendo el más notorio el Apartheid que generó una división de razas y una serie de conflictos derivados de ello. Al igual que las diferencias raciales las diferencia de género son muy marcadas.

Penny Siopis nació en Vryburg, Sudáfrica, en 1953 dentro de una familia de migrantes, lo que influyó en ella para desde chica considerarse a ella misma como "el otro" (aspecto que desarrolla en su obra). Esta mirada desde "la otredad" se encuentra siempre presente como protagonista de sus obras.

Realizó estudios de arte en la Univesidad Rhodes y en el Politécnico de Portsmouth. En 1984 se trsladó a Johannesburgo donde ha dado pláticas en el departamento de Artes de la Universidad Wits hasta la fecha. Actualmente ocupa el cargo de Profesor Asociado de Bellas Artes.

La memoria es la base de la obra de Penny Siopis, se trata de una constante exploración de la historia, es un continuo recordar y recrear sucesos del pasado ya sean personales o de la comunidad. Por lo mismo su producción artística esta muy ligada a la historia de su país, no se puede comprender la obra de Siopis sin conocer la historia de Sudáfrica.

En 1997 realizó el video My Lovely Day para la bienal de Johannesburgo; la obra consiste en un video de 20 minutos compuesto por grabaciones caseras de la niñez de Siopis filmadas por su madre, acompañados por una narración de su abuela que no coincide con las imágenes mostradas. El hecho de que la artista utilizara en su obra la narración de su abuela y videos grabados por su madre resaltan la idea de Penny Siopis de que los recuerdos son heredados y cada individuo carga con recuerdos de generaciones pasadas.

Se trata de una obra autobiográfica en la que Siopis explora su obra a través de tres miradas distintas: la de su abuela, su madre y la suya, tres generaciones que narran sus historias desde su punto de vista y que Penny Siopis mezcla para aportar una nueva visión que nace de la complementación de las tres. De su obra, la artista explica:

 "LLamo a My Lovely Day una historia real porque yo quiero hacer que esta otra clase de verdad emerja, la "verdad" de la "experiencia" que Hirsch describe. Quiere ser "real" no solo en la forma en que la memoria funciona como fragmentos, pero también en el hecho que el film es un camino fisico, un índice de eventos que tomamos como que realmente pasaron, de gente (en este caso la mayoría muerta) captada en un momento de la vida."

La importancia de la memoria que se observa en My Lovely Day, se realciona con la idea de archivo convirtiendo a la obra en registros históricos que narran historias y convierte a su creadora en "narradora visual".

Con su trabajo Penny Siopis busca mirar hacia atrás, hacia el pasado histórico en busca de elementos con los cuales se identifique para retomarlos, apropiarse de ellos y darles nuevas interpretaciones.

Marina Abramovic. por Inbal Miller

A partir de los readymades de Marcel Duchamp1 , se concibe una nueva forma de creación artística, con nuevos medios donde el artista crea una transgresión de la forma convencional en la que se veía y hacía arte; la cual ha permeado la creación del siglo XX e incluso del siglo XXI.

En otras palabras, el arte mismo se vuelve transgresor ya que introduce formas de la cotidianeidad estetizándolas y colocándolas dentro del círculo del arte. Partiendo de conceptos Deulezianos, el artista es aquel que se encuentra sumergido dentro del caos donde crea nuevos conceptos, bloques de sensación2.
La performance, considerada como una de las formas estéticas transgresoras por excelencia, es una manifestación artística híbrida y multidisciplinaría, compuesta de varias expresiones así como de el arte tradicional, el arte popular y de las nuevas formas de arte3. No depende de un espacio o tiempo especifico, tiene un carácter efímero y por lo general involucra al espectador y en la mayoría de los casos toca temas controversiales. El cuerpo del artista es el soporte principal, por lo que, como se mencionó anteriormente, es una expresión eminentemente transgresora.
El arte contemporáneo ya no se limita a los espacios cerrados, sino que al contrario crea espacios libres. El tiempo se convierte en un factor ilimitado, es considerado como un transcurrir, transgrediendo aquél impuesto por la vida cotidiana que a su vez permite que se creé un intercambio y una relación humana4. Es una modo de resistencia, donde los artistas rompen con la forma lineal de las obras de arte, para introducir un nuevo carácter el cual crea un discurso de resistencia en contra de las imposiciones de las disciplinas tradicionales5.
Como menciona Susan Sontag, cada época y momento deben de ser reelaborados, debe de existir una renovación constante y a su vez el artista que tiene consciencia de su ambiente y de su momento, está en una persistente evolución y modificación6. Esto hace que una sociedad se mantenga con vida, la resistencia crea un dinamismo en el que la sociedad se encuentra en un equilibrio logrado por esa relación del poder con el sujeto.
La obra de Marina Abramovic (Belgrado, 1946), se inscribe dentro de esta línea de trabajo, usando su cuerpo como principal medio de expresión. Su cuerpo funciona por lo tanto como un territorio de experimentación y cambio constante.
En sus primeros años de trabajo, tuvo un breve contacto con instalaciones sonoras, y comenzó a realizar sus primeras performance, donde desde un inicio planteaba sentir el mundo a través de la experiencia personal del cuerpo. De esta manera intenta cuestionar los límites de la resistencia moral y física, reflexionando sobre los patrones de comportamiento de la mente y el organismo. A través de esto intenta establecer un diálogo continuo y energético con los espectadores.




Actualmente esta la exposición de Marina Abramovic Videoinstalaciones, en el Laboratorio Arte Alameda, para mayor información consultar: http://artealameda.bellasartes.gob.mx/

1. Marcel Duchamp presentó su primer readymade Rueda de bicicleta en 1913, pero su Urinario de 1917, fue considerado en el 2004 como la pieza de arte con mayor influencia dentro del siglo XX y en éste caso yo aumentaría que su influencia es notoria hasta el siglo XXI; para más información consultar: Wikipedia, http://en.wikipedia.org/wiki/Marcel_Duchamp#Readymades, fecha de consulta 01 de mayo del 2008.
2. Gilles Deleuze, y Félix Guattari, ¿Qué es la filosofía?, Barcelona, Anagrama, 1993, pp. 202-220.
3. Josefina Alcázar, El mexterminator, México, Océano de México, 2002, p.15.
4.Nicolas Bourraud, Estética relacional,Buenos Aires, Adriana Hidalgo, 2006, p 14.
5.Al hablar de la disciplinas tradicionales me refiero a la pintura, escultura y arquitectura.
6.Susan Sontag, La estética del silencio, en Estilos Radicales, España, Santillana Ediciones Generales, 2005.

GEBHARD SENGMÜLLER:_MEDIA

Gebhard Sengmüller es un artista nacido en Viena que a lo largo de su vida ha recibido una educación relacionada con el arte y que aunada a su interés personal por los nuevos medios lo ha llevado a incursionar en un campo donde la tecnología y las creaciones simbólicas dentro de entornos estéticos tienen propuestas reflexivas hacia el mundo cotidiano al que hacen referencia. Muchas de sus obras involucran medios masivos y juegan con los procesos de información entre un medio y otro valiéndose de los recursos de los mismos y combinándolos.

Tal es el caso de la obra llamada TV Poetry (1992-96) en la que por medio de una máquina escanea la televisión y busca frases que salgan en pantalla para reconocer el texto y juntarlo con otras frases escogidas de la misma manera y son expuestas en una pantalla. Explica Sengmüller que en ocasiones las frases son malinterpretadas debido a interferencias y no son copiadas fielmente al monitor que las expone pero resulta un proceso de enriquecimiento en su transformación. Pasan de ser frases contextualizadas en un entorno comercial de convencimiento al de una especie de texto literario donde se acompaña de otras oraciones armadas de la misma manera, por escaneo mediático.

Gebhard Sengmüller, TV Poetry (1993/1994)



Juega con el azar del escaneo de información que busca enfatizar un mensaje de entre todo lo que se está diciendo en la televisión, resaltar lo que es esencial de lo prescindible. Así se crea un fenómeno de apropiación en el que las frases resaltadas textualmente de entre los discursos orales y las imágenes terminan formando parte de un todo rodeado de más letras. Pierden las oraciones su calidad pragmática explícita para ser cuestionada y verse envuelta en la sola utilidad de significar.

Otra obra que se inscribe en el marco de la comunicación y la utilización del escaneo como medio de apropiación es VSSTV (Very Slow Scan Television). Esta pieza se vale del SSTV (Slow Scan Television) que es un tipo de escaneo que transporta imágenes por medio de ondas de radio amateur, que son las del ancho de banda más alto hasta llegar a pantallas, por ejemplo, de computadora. En el caso de la creación de Sengmüller él lleva el proceso más allá y estas imágenes son descompuestas en los diferentes colores primarios y se imprimen en plástico burbuja, funcionando cada una de estas burbujas como si fueran pixeles y se rellenan con una jeringa de tinta roja verde o azul.


VSSTV en funcionamiento



Resultado



Con esto practica un principio que él denomina como rescatar contenido que de otra forma estaría perdido, es decir que forma parte de una serie de imágenes donde suceden unas a otras y no tienen individualidad. La parte por el todo. Es lo mismo que se practica al iluminar burbujas, una sola que en sucesión va a dar un todo con sentido, pero siempre tomando en cuenta que se comenzó con la unidad. La obra se contrapone por completo a lo que originó esta misma imagen, la televisión, caracterizada por la rapidez de la información y su fluidez; la máquina de VSSTV imprime muy lentamente, en un día se produce una impresión.

Los resultados de ambas obras implican el rescate y recontextualización de imágenes y procesos comunicativos que devienen en reflexiones de lo subjetiva que es la relevancia de discursos.

Entrelazamiento comunicativo en Rafael Lozano-Hemmer

entanglement (entrelazamiento)

subescultura 6
2005
2 signos de neón, 2 interruptores de luz, 2 computadoras conectadas a internet.

183 x 38 cm (72 x 14.75 inches)

Entanglement (Entrelazamiento, 2005), del artista electrónico mexicano Rafael Lozano-Hemmer (ciudad de México, 1967) es una instalación que presenta dos rótulos de neón idénticos en los que se lee la palabra "Entanglement", cada uno de 180 x 40 cm. Los neones se colocan en dos espacios distintos, debajo de cada rótulo hay un interruptor de luz que lo enciende y apaga. Los interruptores están conectados entre sí a través de dos computadoras que tienen acceso permanente a Internet. Cada vez que alguien enciende un interruptor los rótulos de neón automáticamente se escriben e-mails y por lo tanto el otro neón se enciende al mismo tiempo, de tal forma que en un momento dado los dos están encendidos o apagados. A pesar de que los neones estén apartados uno del otro, nunca son independientes, están entrelazados. Entaglement es una obra interactiva ya que el neón se puede encender de repente sí alguien en el otro lado del mundo acaba de encender su copia[1].

“Entanglement” es un fenómeno de la física cuántica que describe la extraña propiedad de dos partículas subatómicas a comportarse como una sola. Este fenómeno se puede resumir en las siguientes palabras: es como si al darle un jalón a la oreja derecha, la izquierda también se moviera, eso sin importar cuan alejadas estén las orejas una de la otra. Este fenómeno aparentemente ocurre con partículas llamadas "fotones gemelos"[2]. Michel Maffesoli dice que “...no se manda bien a la naturaleza más que obedeciéndola”[3], y está obra refleja la naturaleza de las partículas subatómicas de las que poco conocemos y que obviamente no las vemos más que estudiándolas a profundidad, pero que sin embargo, existen y son parte de la esencia del mundo, de esta forma podríamos considerar Entanglement como una obra que refleja una parte esencial de la naturaleza. Así como las partículas son “fotones gemelos”, los neones también lo son.

En dicha obra Lozano-Hemmer está jugando con el espacio y con el tiempo. La manera en la que el espectador se desarrolla en un sitio museístico o artístico, es decir, el hecho de que la obra sea interactiva, nos está hablando de que el público debe manipular la obra de arte dentro de un recinto que ha sido considerado casi siempre como “espacio sagrado”. Por otro lado, la obra se encuentra expuesta en dos lugares alejados del mundo al mismo tiempo, sí en Japón alguien pulsa el interruptor, en México la obra se prende, y sí en ese mismo instante alguien está frente al neón y decide apagarlo, en Japón se apagará, creando así un juego de comunicación entre los habitantes del mundo.

Es interesante que la obra este constantemente conectada a internet y mandando e-mails, ya que está hablándonos entonces de la forma de comunicación por la que se rige el mundo actualmente. Sí, como asegura Buci-Glucksmann el tiempo global está “marcado por el fin de las grandes narraciones y por una lógica de la instantaneidad…del eterno presente…”[4], entonces Lozano-Hemmer está manifestando precisamente ese “eterno presente” del mundo y el tiempo global, en el que prevalece la comunicación instantánea sin importar la hora, en Japón puede ser de noche y en México de día, pero “el arte se caracteriza por su capacidad de trascender el tiempo, por una a-temporalidad muy a menudo simbólica” [5], y este tiempo a-temporal el que se encuentra en esta obra de Lozano-Hemmer.

Existe en esta comunicación instantánea “directa”, algo de “indirecto”, ya que, aunque suene contradictorio, la era de las telecomunicaciones en la que vivimos nos acerca unos a otros, pero al mismo tiempo nos aleja de la conexión comunicativa directa. El mandar un e-mail es una de las formas más rápidas e impersonales que existen para interrelacionarnos como seres humanos. Entanglement absorbe “lo efímero de un no se qué, que actúa como una captación del instante por el instante”[6], ese no se qué es lo fugaz de la comunicación contemporánea. Es decir, el público japonés tiene la posibilidad de estar en contacto con el público mexicano a través del interruptor, pero al mismo tiempo hay un mecanismo electrónico (una computadora conectada a internet) que actúa como mediador entre las personas y que por lo tanto obstruye hasta cierto punto la comunicación directa: “(el) tiempo suspendido entre el “hay” y el “no hay”…de los mundos efímeros de los que el arte intenta apropiarse”[7].

Para conocer más acerca de esta obra, consultar la página oficial del artista: http://www.lozano-hemmer.com/

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[1] http://www.lozano-hemmer.com/english/projects/entanglement.htm, consultado el 27 de noviembre de 2008.

[2] http://elentanglement.blogspot.com/, consultado el 28 de noviembre de 2008.

[3] Michel Maffesoli y Daniel Gutiérrez Martínez, En el crisol de las apariencias: para una ética de la estética, Siglo XXI, México, 2007, p. 160. p. 162.

[4] Christine Buci-Glucksmann, Estética de lo Efímero, Arena Libros, Madrid, 2007, p. 15 y 16.

[5] Ibid., p. 12

[6] Ibid., p. 25.

[7] Ibid., p. 12.

Low Tech y Árcangel Constantini

LOW-TECH
El Low-Tech, se puede definir como el uso de bajas tecnologías que generan un discurso en el pensamiento de las técnicas de punta como el producido en los centros donde hacen una conexión con la luz y que plantea cuestiones estéticas y filosóficas igualmente válidas para comprender en toda su dimensión el estatuto del arte, e incluso del ser humano, en las sociedades para- y post-industriales contemporáneas.
Parte de tecnologías elementales, enfatizan el discurso estético, eludiendo la seducción y las fechas de caducidad del hardware, que han hecho de tantas obras en la historia del arte y la tecnología, simples intentos estéticos incapaces de sobrevivir al paso del tiempo.
El Low Tech, está relacionado con el arte digital porque se utilizan elementos digitales en el proceso de producción y en su exhibición, haciendo que sea más difícil de apreciar, a causa de que este tipo de arte es relativamente nuevo, es muy poco difundido y son pocos los lugares que trabajan esto.

ARCÁNGEL CONSTANTINI

Es un artista multifacético que explora un amplio rango de medios o recursos para plasmar sus ideas y conceptos, tanto en el contexto objetual concreto como dentro de los procesos digitales o en su constante exploración onírica.
Su obra se destaca por ser de carácter “lúdico experimental”, influido por los procesos fortuitos y caóticos de la ciudad, esto hace a que sea más dinámica y que sea más interesante para las personas.
Sus trabajos abarcan distintas disciplinas como la dinámica relativa a obras visuales y sonoras, instalaciones Low-Tech, obra de propaganda y acción, performance visual y sonoro y hackeo tecnológico, haciéndolo multidisciplinario y no se encasilla en una sola actividad.
Constantini fue el primero en darle uso creativo de la red, en toda latino-América, abriendo la posibilidad para nuevas creaciones y estilos artísticos. Su obra ha conseguido salir de las fronteras, siendo reconocida en numerosos festivales y eventos relacionados con la escena digital.
Arcángel Constantini es muy perceptivo a los cambios tecnológicos a los que se enfrenta nuestra realidad cotidiana, así como a las contradicciones de su país. Se estrenó en Internet con un dominio, cuya grafía desafía a los usuarios: Unosunosyunosceros, un laboratorio online en continua evolución utilizando los elementos tecnológicos que se están desarrollando. Este dominio es interesante porque da pie a los artistas contemporáneos a que sigan produciendo arte digital. También es integrante activo del sitio uncuarto.org, que sigue la misma línea de unosunosyunosceros, es un espacio para los nuevos artistas y que se difunda lo que se hace en la actualidad y quiénes son los representantes más importantes para que no pasen desapercibidos.
Hace una crítica social en sus obras porque sabe que en México no sé cuenta con los elementos tecnológicos suficientes para dar a conocer su arte, como en los países desarrollados.


La creación en tiempo real es una de las características del trabajo de Constantini que, a menudo, presenta sus obras en vivo convirtiéndolas en sesiones de audio y vídeo jamming. Otro rasgo distintivo de su obra es la procesualidad, de la que da prueba Bacteria, una estructura audiovisual interactiva en evolución, que se propone "infectar" el usuario con la cultura digital.
Entre sus obras para la red destaca 123456789px, es una pieza dedicada a los números en la que se cuestionan conceptos como tiempo y espacio. Cada número entre 1 y 9 está representado por una página que se desliza lateralmente en un loop casi mecánico, cuya duración no está basada en el tiempo, sino en el espacio. Emulando los históricos webrings (sitios web concadenados) de la primera época del net.art, Constantini lanza No/E.html , un anillo de páginas web que comparten una splash-page (página de entrada) donde, como indica el título No/E, no es posible estacionarse. El proyecto, del cual forman parte numerosas webs españolas dedicadas al arte digital, analiza las analogías entre las señales de tráfico y la iconografía de la Red.
Su trabajo más reciente es Anima, una reflexión sobre el mundo material, que permite al usuario resucitar a una vida digital varios objetos encontrados en un rastro, creando un universo paralelo en la Red, donde las cosas tienen una existencia tan real y animada como en su vida pasada.




Arcángel Constantini, en su obra "Semimscope" (2005) se destaca por ser un simulador electromecánico de imágenes en movimiento que brinda constantes lecturas movi
movimiento cercano a la obra. Esta pieza es interesante, porque utiliza materiales reciclados, caracrteristicos del Low Tech.

Para conocer mejor su obra, se puede visitar sus páginas de Internet, http://www.unosunosyunosceros.com/ y www.uncuarto.com

Arte Sonoro

Puede parecer que el arte sonoro es algo nuevo pero fue reconocido como tal desde la década de los setentas; sin embargo tuvo su momento de mayor auge en los noventas, cuando la mayoría de las obras utilizaban sonidos en su realización. Los sonidos podían ser producidos por la naturaleza, por el hombre, musicales, tecnológicos, etc. Este arte sonoro no era independiente sino formaba parte de instalaciones, video, performances, e inclusive se utilizaban medios como la escultura o la pintura.Los orígenes del arte sonoro los podemos encontrar en las primeras décadas del siglo XX. La relación entre arte y música fue el motor para obras abstractas. Fue también llamado el arte de los ruidos y fue explorado por los dadaístas y los futuristas y uno de sus máximos exponentes fue John Cage, (1912-1992) que definía la “música” como un conjunto de sonidos y ruidos y fue el antecedente para los artistas del arte sonoro que se desarrolló a finales de los setentas.La galería Cordier & Ekstrom de Nueva York en 1964 expuso varias obras sonoras. El título de la exposición se llamaba Para los ojos y los oídos, incluía obras ruidosas de los dadaístas hasta llegar a obras contemporáneas creadas entre artistas e ingenieros.Más tarde la Hayward Gallery montó la exposición Estampido Sónico, el arte del sonido en el año 2000 con la colaboración de artistas que utilizaban el sonido en conexión de las artes visuales. El arte sonoro alecciona al espectador sobre la experiencia multisensorial de la percepción. El arte sonoro ha sido poco trabajado en comparación con otras prácticas artísticas pero al mismo tiempo tiene un gran futuro en la tecnología digital y en el Internet.Ahora observemos la obra de Christian Marclay que me parece que tiene gran relación con la de Iván Abreu porque los dos tejen redes de consecuencias además que a ambos les interesa trabajar con las tornamesas.Christian Marclay es un artista norteamericano, nacido en 1955. Él explora conexiones entre sonido, fotografía video y film.

Video Christian Marclay. Guitar Drag
http://www.youtube.com/watch?v=2PYefPW1ZOU

El video de 15 min. de duración de una guitarra eléctrica amplificada que es arrastrada por un camión a lo largo de una carretera sin pavimento que produce un sonido extraordinario que te hace imaginar mil cosas, desde una pelea hasta un cine rodante.En una entrevista que concedió para Telegraph. co. uk. Él declara que: “Me gusta trabajar con guitarras, tu empiezas con una idea, pero muchas cosas pueden suceder después. A una pregunta de Georgia Dehn sobre porque las guitarras en especial, él explica: “ Yo veo la guitarra como un instrumento antropomórfico. Es un símbolo fálico, pero al mismo tiempo es un cuerpo de mujer y desde hace décadas las estrellas de rock lo usan en sus shows. Cuando Elvis empezaba a actuar, la gente se emocionaba al ver cómo él movía las caderas y la guitarra”.

Foto
Christian Marclay on Night Music


Algunos problemas con los que se encuentran los artistas de hoy.Los artistas que trabajan en los medios están consientes que el ambiente donde se desenvuelven camina a una gran velocidad, cada vez los proyectos se vuelven más audaces y las nuevas tecnologías hacen que rápidamente las computadoras se vuelvan obsoletas, los artículos electrónicos con los que ellos trabajan cambian día a día. Estos artistas los que trabajan en el mediart, en el arte electrónico, no están ajenos a esta problemática mundial y esto se ve reflejado en su trabajo. Ellos se hacen estas preguntas: ¿Cómo se puede conservar una obra que de entrada no se conserva? ; ¿De este tipo de trabajo, cual es lo se puede conservar y cuales cosas son las que guardan sólo en la memoria? ; ¿Puede nuestra sensación al ver u oír la obra repetirla solamente en nuestra imaginación? ; ¿Habrá alguna forma de que la obra acuda a mí y vuelva a sentir por ella lo mismo?; ¿ La sorpresa se puede congelar, enlatar, grabar, fotografiar?¿Se puede conservar una idea como original aunque este al acceso de todo el mundo?¿Que pueden hacer los artistas para que no les “roben” las ideas?El papel del artista en el arte contemporáneo ha cambiado en gran manera, ahora se le exige que sea artista-curador-conservador-difusor de su propia obra. El artista crea la obra, la trabaja en la mente, la ensaya, trata de preveer las consecuencias, en ocasiones no cuenta con todos los recursos tecnológicos ni con el presupuesto para dedicarse en tiempo completo a este trabajo.El artista, en su papel de curador de su propia obra, se enfrenta a varios problemas:Si su obra está expuesta con las de otros artistas tiene que revisar como va a estar montada, cuáles son las obras con las que va a alternar, que sentido es el que va a tener la exposición, comprobar que se le de la intención para la que fue hecha etc.Ahora viene la conservación de la obra, qué piezas de ella pueden conservarse y cuales no. La tarea le corresponde nuevamente al artista. Otro problema es ¿Cómo se puede difundir la obra y al mismo tiempo, que la idea sea original, es decir que no la copien, que se mantengan los derechos de autor y a su vez que se pueda vender la obra?En ocasiones, la obra es ensayada mil veces, el artista le ha dedicado gran parte de su tiempo, siente que ya la tiene medida y convoca a un auditorio preestablecido, que llegan los medios para grabar el evento y la obra no tiene los resultados esperados, las consecuencias no son las planeadas, el azar juega una mala pasada y se debe volver a planear, a medirlo todo, inclusive al público para el que quizá ya no tenga la misma sorpresa.Estos son algunos de los problemas que enfrenta el artista de hoy, creador de un arte complejo que está en constante cambio.

La Naturaleza Femenina de Pipilotti Rist

Una de las razones por las que Elisabeth Charlotte Rist (Grabs, Sankt Gallen, Suiza, 1962), mejor conocida como Pipilotti Rist, cobró fama en el mundo del arte contemporáneo fue gracias a su vídeo Pickelporno en 1992. En dicha obra, Pipilotti busca mostrar la excitación sexual y pretende hacer visible el sentimiento del placer erótico a través de tomas muy cercanas (en ojo de pez) de los cuerpos de una pareja que se excita mutuamente a partir del tacto.

Ambos cuerpos, portan objetos que hacen referencia a símbolos universales que tienen que ver con la metáfora del erotismo como son conchas y flores. Las imágenes del fondo, llenas de intensos colores (turquesas, naranjas, rosas, blancos), acentúan lo táctil del video, al igual que el sonido. Los fetiches del cuerpo están presentes: pies, boca, lengua, pechos y vello púbico. En casi todos los cambios de escena, una figura en forma de ojo con pestañas cierra las escenas y presenta unas nuevas. Ésta figura puede referir tanto a la importancia de lo visual durante el acto o la espiritualidad que implica, como a la vagina y el placer físico.

Los cuerpos se exhiben desnudos y exaltando la relación sexual, y nosotros los espectadores jugamos el papel de vouyeristas, al igual que en el género pornográfico. Lo que diferencia este vídeo de cualquier otro vídeo meramente pornográfico es que a lo que alude Pipilotti no es meramente al acto físico sino al acercamiento corporal y sensorial que el sexo implica y que la pornografía convencional deja de lado.

Más allá de tratar de mostrar la belleza del cuerpo humano, sobre todo del femenino, Pipilotti muestra a la mujer como SER sexual. Ella toca y juega con el cuerpo masculino, el hombre es su “objeto del deseo”. Cuando el video (o el acto sexual) llega al clímax, se presentan imágenes y sonidos que evocan las fuerzas de la naturaleza, como el correr del agua y la erupción de volcanes, haciendo una clara referencia al orgasmo como fuerza armónica de la naturaleza del cuerpo humano.

Siguiendo, hasta cierto punto, la línea de PickelpornoK, en 1993 Pipilotti creó el video Blutclip. La misma forma de tomar escenas en close-ups presenta a la artista tendida boca arriba desnuda en un ambiente natural que parece ser un bosque. La primera escena empieza en su frente y recorre su cuerpo cubierto por un camino de joyas de plástico que llegan hasta su vagina.

En la siguiente escena ella muestra la mancha de sangre en su ropa interior, expresando claramente el sentido del video. Sus piernas se llenan de leves chorros de sangre hasta los pies y en escenas subsecuentes toda ella está llena de este elemento vital por todo el cuerpo, incluyendo el rostro. Poco a poco el fondo se carga con imágenes que aluden al cosmos: la luna, la tierra y los planetas. Al final aparece la misma escena de la ropa interior, sólo que al revés, es decir, ella vuelve a tapar su sexo.

Todo el video está cargado de imágenes simbólicas que aluden no sólo a uno de los tabúes más fuertes que existen en torno al cuerpo femenino, ósea la menstruación (el estilo kitsch del video tapa hasta cierto punto la crudeza con la que la menstruación es reflejada), sino a objetos que refieren a la función reproductiva del mismo, como es lo cósmico. La función reproductiva siempre ha estado ligada a ciertos mitos de creación del universo y la artista propone su cuerpo como el centro del universo, el cual toca constantemente y el acercamiento enfatiza su protagonismo.

En ambos videos la música es muy importante, en el primero la música fue compuesta por Peter Broker, Les Reines Prochaines (el grupo de música experimental al que perteneció Pipilotti durante muchos años) y la misma Pipilotti Rist^[1]. En el segundo, la música es del grupo británico Sophisticated boom boom interpretando la canción Yeah Yeah Yeah escrita por Netz E. Maeschi^[2].

Rist ha dicho acerca de Pickelporno que “es un intento de establecer el erotismo femenino dentro la imaginería cultural”, y Blutclip fue calificado por la crítica de arte Peggy Phelan como “una exuberante oda a la menstruación”^[3]. Tal vez es por esto que la artista ha sido muchas veces considerada como feminista, pero ella se niega a ser encasillada dentro de esta categoría. Este hecho puede sonar contradictorio, sin embargo, considero que el significado que pretende mostrar en ambos videos Pipilotti Rist, va más allá de defender lo femenino.

En la historia tradicional y principalmente en la historia del arte occidental, el cuerpo femenino ha sido muchas veces encasillado como el objeto de deseo del hombre, como aquello que lleva a la perdición al sexo masculino o simplemente como mero aparato reproductivo. Yo creo que Pipilotti no está manifestando su disconformidad hacía estos dichos sino que a partir de mostrar el deseo sexual de la mujer y el principio natural de la creación, la menstruación, está mostrando una parte del SER mujer que casi nunca ha sido abiertamente revelada.

Para conocer más acerca de esta artista puedes consultar las siguientes páginas:

http://www.pipilottirist.net/begin/open.html (página oficial)

http://es.wikipedia.org/wiki/Pipilotti_Rist

http://hauserwirth.com/artists/biography.php?artist_id=50

http://www.subterfuge.com/es/ver_artista.aspx?id_artista=116&seccion=3

http://www.elpais.com/articulo/portada/subversiva/Pipilotti/elpeputec/20051218elpepspor_12/Tes

http://www.newmedia-art.org/cgi-bin/show-oeu.asp?ID=00002271&lg=GBR

http://images.google.com.mx/imgres?imgurl=http://www.publicartfund.org/pafweb/images/projects_00/photo_rist_00_view1_299x321w.jpg&imgrefurl=http://www.publicartfund.org/pafweb/projects/00/rist_p_s00.html&h=321&w=299&sz=20&tbnid=8go7cjJa7u4UzM:&tbnh=118&tbnw=110&prev=/images%3Fq%3Dpipilotti%2Brist%26um%3D1&start=2&sa=X&oi=images&ct=image&cd=2

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^[1] PIPILOTTI RIST "GRAVITY, BE MY FRIEND", Magasin 3, Stockholm Konsthall, http://www.magasin3.com/exhibitions/pipilotti.html, consultado el 20 de octubre de 2008.

^[2] Sophisticated Boom Boom, Wikipedia, The Free Encyclopedia, http://en.wikipedia.org/wiki/Sophisticated_Boom_Boom, consultado el 20 de octubre de 2008.

^[3] La subversiva Pipilotti, El País.com, http://www.elpais.com/articulo/elpepspor/20051218elpepspor_12/Tes/, consultado el 25 de octubre de 2008.